O SÉCULO PRODIGIOSO

A arte no século XX

James Jean - Ilustração

Segunda-feira, Outubro 30, 2006
Ilustrações



SHINE DOWN 'Us and Them'
Album Cover Illustration
Client: Atlantic Records/Morning Breath Inc.



Lead spread and spots for an article about options for couples who cannot have children
Client: BEST LIFE (Rodale)



Cover of the Sunday Book Review featuring Nothing Lost by J.G. Dunne.
Client: The Washington Post



Record Review lead illustration depicting the band, System of a Down
Client: Rolling Stone



Illustration for an article entitled "God is My Co-Author" by Chuck Klosterman
Client: SPIN magazine



Album Packaging art for My Chemical Romance/The Black Parade (detail)
Client: Reprise Records



Illustration for an article about genetic testing and fate
Client: New York Times Science Section



Illustration for an article entitled, "Bush Brain Drain," about the Bush administration's handling of the FDA and the subsequent exodus of disillusioned workers.
Client: Mother Jones



Illustration for a Race Day poster entitled, "Space Race 2020"
Client: NIKE



Double page spread for a short story entitled, "The Fall" by Bill Roorbach
Client: PLAYBOY



Full page illustration for an interview with Sigur Ros
Client: Future Music Magazine



Full page illustration for an interview with Tool about their album, 10,000 Days
Client: Future Music Magazine



Illustration for Target's Fall 2005 ad campaign in the New Yorker
Client: TARGET



Illustration for a story entitled, "Murder on Myspace"
Client: WIRED Magazine



Cover Illustration for Shanghaied to the Moon, by Michael Daley
Client: Penguin

Pinturas



Forlorn Rose
Oil on cradled wood panel, 16 x 16", 2001



Lotus 2
Charcoal, acrylic, and pastel on paper, 84 x 42", 2002



Banquet
Oil on paper, 12 x 16", 2003



Study of K
Oil on linen, 11 x 6", 2003


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James Jean é um premiado ilustrador que viove em Los Angeles. Nasceu no Taiwan em 1979, emigrou para New Jersey e estudou na School of Visual Arts in New York City. Após a graduação em 2001, rapidamente tornou-se num dos mais aclamados ilustradores da actualidade, ganhando três Prémios Eisner consecutivos, um Prémio Harvey e a Medadlha de Ouro da Sociedade de Ilustradores de Los Angeles. Entre os seus cliente estão Time Magazine, The New York Times, Rollingstone, Spin, ESPN, Atlantic Records, Target, Playboy, Knopf, entre outros.
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Capa, Robert - Fotografia

Quarta-feira, Outubro 25, 2006


Madrid, novembre-décembre 1936



Mort d'un milicien
Cerro Muriano (front de Cordoue), 5 septembre 1936



Bilbao, 1937



Montblanc, Tarragona, 1938



Réfugiés espagnols conduits vers un camp
entre Argelès-sur-Mer et Le Barcarès, mars 1939



Barcelona, 1939



Débarquement
Omaha Beach (Colleville-sur-Mer), 6 juin 1944



Femme tondue pour avoir eu un enfant d’un soldat allemand
Chartres, 18 août 1944



Une famille allemande au milieu des ruines fumantes
Nuremberg, vers le 20 avril 1945



Vietnamienne croisant une colonne motorisée française
Sur la route de Nam Dinh à Thai Binh, 25 mai 1954

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Robert Capa nasceu em Budapste em 22 de Outubro de 1913. André Friedman de baptismo, estudou Ciências Políticas na Universidade de Berlim entre 1931 e 1933. Foi fotógrafo autoditacta, tendo começado a trabalhar como assistente de um laboratório fotográfico na Ullstein (editora). Em 1933, emigrou para Paris onde, para escapar à persiguição nazi, mudou o nome para Robert Capa e começou a trabalhar como fotógrafo independente. As suas fotografias da Guerra Civil de Espanha atraíram a atenção para o seu nome em Paris. A sua primeira série já incluia a Morte de um Realista Espanhol, que continua a ser a sua fotografia mais conhecida e discutida. Daí em diante dedicou-se a ser fotógrafo de guerra. Viajou até à china, Itália, França, Alemanha e Israel. O seu talento para transmitir de forma penetrante os sentimentos e sofrimento das pessoas nas guerras civis ou rebeliões numa só fotografia, valeu-lhe grande admiração e fama internacional. A sua obsessão pelo trabalho fez dele o mais célebre dos correspondentes de guerra do século XX. Mas Capa não se limitou a criar um modelo e a desempenhar um trabalho exemplar. A sua obra é um manifesto contra a guerra, a injustiça e a opressão. No dia 25 de Maio de 1954 foi fatalmente ferido em Thai-Binh, no Vietname. A sua morte foi a consequência trágica do seu próprio lema: «Se as fotografias não são suficientemente boas, é porque não se está suficientemente perto.»
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A Robert Capa Gold Medal Award tem sido atribuída em sua honra desde 1955. O Internacional Fund for Concerned Photography foi iniciado por ele. O seu irmão, Cornell Capa, fundou o International Center for Photography, em Nova Iorque, em parte para preservar a obra de Robert Capa e para a tornar acessível ao público.
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Machado, Juarez - Arte Brasileira Contemporânea

Segunda-feira, Outubro 23, 2006
La Fête Continue



Rencontre sinueuse - 1977
100 x 73 cm
Óleo sobre tela



Festin - 1998
130 x 97 cm
Óleo sobre tela



Bain de jouvence - 1997
100 x 73 cm
Óleo sobre tela

O Grande Circo



Bailarina nos cavalos - 1997
46 x 61 cm
Díptico - Óleo sobre tela



Bandinha - 1997
46 x 61 cm
Díptico - Óleo sobre tela

Ilha de Santa Catarina



Farra do boi ou diante do ritual pagao - 1997
130 x 97 cm
Óleo sobre tela



Ilha - 1997
130 x 97 cm
Óleo sobre tela



Minha vida, minha sorte - 1997
100 x 73 cm
Óleo sobre tela



As bruxas roubam a lancha baleeira de um pescador da ilha - 1997
130 x 97 cm
Óleo sobre tela

Copacabana



Les Amours Clandestines - 1992
130 x 97 cm
Óleo sobre tela



Veuve à la Plage - 1992
130 x 97 cm
Óleo sobre tela

300 Anos de Curitiba



Curitiba 300 Anos - 1993
194 x 130 cm
Óleo sobre tela



Escola De Musica E Belas Artes - 1993
100 x 73 cm
Óleo sobre tela

Little expo



Fortuna, Inteligencia e Surpresa - 1991
116 x 89 cm
Óleo sobre tela



Pastel - 1991
75 x 55 cm
Óleo sobre tela

Le libertin



Bain horizontal - 2002
100 x 73 cm
Óleo sobre tela



Bain oriental - 2002
100 x 73 cm
Óleo sobre tela

Veneza



Carnevale - 2003
130 x 97 cm
Óleo sobre tela



Atelier a Venezia, al fondo la torre della chiesa madonna dell'orto - 2003
116 x 89 cm
Óleo sobre tela

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Juarez Machado nasceu em Joinville, no Estado de Santa Catarina, no Brasil, em 1941. Escultor, desenhista e cartoonista, recebeu o prémio de melhor escultor do Paraná e medalha de prata em escultura em 1962, o prémio de aquisição em 1964, e o prémio Prefeitura de Curitiba em 1965. Em 1966, mudou-se para o Rio de Janeiro onde residiu por vinte anos. Através de seus desenhos de humor, projeta-se nacionalmente. Além do desenho e da pintura, fez incursões pela mímica, cenografia, programação visual, ilustração e escultura. No final dos anos 70 volta-se totalmente para a pintura. Em 1986 instala-se em Paris, onde vive desde então. Nas palavras de Isaac Ortizar, celebra-se na obra de Juarez Machado um hino à mulher sofisticada, intimista e sensualmente poético: " A mulher para Juarez Machado é o tema e também a atmosfera de suas pinturas....sua obra vem assim renovar a leitura de um tema clássico, para libertar através dele novas nuances claramente inspiradas pelo espírito dos nossos dias, e também por uma ambientação retro".
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Figueira, Manuel - Arte Contemporânea de Cabo Verde

Quinta-feira, Outubro 19, 2006


No espaço azul do mar
Gouache sobre papel
32x36cm - 1990



Stop!
Gouache sobre papel
38x53cm - 1990



Riolente (intriguista)
Esferográfica e acrílico sobrepapel
30x21cm -1991



Sem Título
Lápis e colagem sobre papel
21x31cm - 1992



Crral da ruça
Colagem e Guache sobrepapel
32x32cm - 1994



Quel home de nariz d’algodô
Gouache sobre papel
38x53cm - 1990



Aquele Fantástico carnaval: cabras, bois alados, música córnea e Narciso
Gouache sobre papel
21X28cm - 1995



Narcisocoxo
Gouache sobre papel
17x26cm - 1997



Amor em tempo de cólera
Gouache sobre papel
23x30cm - 1998



Crioulas
Gouache sobre papel
16x16cm - 1998



De só à tona te ir mareando
Guache sobre papel
14x14cm - 1999



ComposiçãoVI -Três môce tacá-me na rua de coquê
Guache, colagem e tinta da china sobre papel
21x31cm - 1999



Carequice = acomia
Guache sobre papel
27,5x43,5cm - 1999



És águia
Gouache sobrepapel
15x18cm - 1999



Escritos e conversas
Lápis e Gouache sobre papel
32x32cm - 2000



Um môce d´três trança ou tricórnio
Lápis e Gouache sobre papel
21x21cm - 2000



Triunfe d´Menine e cavaquim
Lápis e Gouache sobre papel
28x21cm - 2002

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Manuel Figueira é natural da ilha de S. Vicente em Cabo Verde, e viveu em Portugal entre 1960 e 1974, onde frequentou o Curso Complementar de Pintura da Escola Superior de Belas Artes de Lisboa. Regressou a Cabo Verde em 1975 para colaborar com a revitalização da cultura popular. Com algumas colegas professoras, funda a Cooperativa Resistência em 1976, com o obectivo de manter viva a tecelagem tradicional cabo-verdiana. De janeiro de 1978 a Março de 1989 foi Director do Centro Nacional de Artesanato onde orientou artisticamente o projecto, concebendo e executando obras suas, recorrendo às técnicas de tecelagem tradicional, tapeçaria e tingidura. Está representado em diferentes colecções nomeadamente no Museu de Ovar, em Portugal, no Banco de Fomento em Lisboa, no Banco Totta e Açores, em S. Vicente; na ONU em Nova Iorque; Palácio da Cultura da Cidade da Praia e entre diversas colecções particulares.

As obras aqui representadas são da década de 90 e princípios deste século, pertencem ao acervo da Perve Galeria e fizeram parte de uma exposição de desenho e pintura a gouache do artista denominada "Visões d'Infinito".
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Klimt, Gustav - Arte Nova

Domingo, Outubro 15, 2006


Head of a Recumbent Man, Supporting Himself, 1886-88
Black chalk, highlighted in white
28 x 43 cm
Albertina, Vienna



Joseph Pembauer - 1890
Oil on canvas
69 x 55 cm
Tyrolean State Museum Ferdinandeum, Innsbruck



Portrait of a Lady (Frau Heymann?) , c. 1894
Oil on wood
39 x 23 cm
Kunsthistoriches, Vienna



Actor Josef Lewinsky as Carlos - 1895
Oil on canvas
Vienna, Osterreichische Galerie



Music I - 1895
Oil on canvas
37 x 45 cm
Neue Pinakothek, Munich



Medicine (composition draft), 1897/98
Oil on canvas
72 x 55 cm
Private collection, Vienna




Poster for the 1st Secession exhibition, 1898
Lithograph
62 x 43 cm
Private collection



Pallas Athene, 1898
Oil on canvas
33 x 16 1/2 in. (84 x 42 cm)
Historisches Museum der Stadt Wien, Vienna



Mermaids (Whitefish) - c. 1899
Oil on canvas
82 x 52 cm
Zentralsparkasse, Vienna



Nude Veritas - 1899
Oil on canvas
252 x 56 cm
Theatre Collection of the National Library, Vienna



Judith and Holofernes I - 1901
Oil on canvas
60 1/4 x 52 3/8 in. (153 x 133 cm)
Osterreichische Galerie, Vienna



Beethoven Frieze
Central narrow wall (detail): Unchastity, Lust and Gluttony, 1902
Casein paint on plaster
220 cm high
Austrian Gallery, Vienna



Hope I - 1903
Oil on canvas
189 x 67 cm
National Gallery of Canada, Ottawa



Water Serpents II - 1904-07
Oil on canvas
80 x 145 cm
Private collection, Vienna



The Three Ages of Woman, 1905
Oil on canvas
178 x 198 cm
Galleria Nazionale d'Arte Moderna, Rome



Portrait of Fritza Riedler
1906
Oil on canvas
153 x 133 cm
Austrian Gallery, Vienna



Portrait of Adele Bloch-Bauer I - 1907
Oil and gold on canvas
138 x 138 cm
Private collection



Hygeia, Detail from "Medicine", 1907
Oil on canvas
430 x 300 cm
Destroyed by fire at Immendorf Palace, 1945



Judith II - 1909
Oil on canvas
178 x 46 cm
Galleria d'Arte Moderne, Venice



The Black Feather Hat - 1910
79 x 63 cm
Oil on canvas
Rome, Galleria Nazionale d'Arte Moderna



Portrait of Mada Primavesi - c. 1912
Oil on canvas
150 x 101.5 cm
Metropolitan Museum of Art, New York



Portrait of Eugenia Primavesi
c. 1913-14
Oil on canvas
140 x 84 cm
Private collection



Garden Path with Chickens, 1916
Oil on canvas
110 x 110 cm
Destroyed by fire at Immendorf Palace, 1945

Death and Life - 1916
Oil on canvas
178 x 198 cm
Private collection, Vienna

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No quadro "Judith I - 1901", Judute exibe a cabeça de Holofernes e olha-nos provocadoramente. Ela emana um enorme poder sensual e um esplendor erótico. Holofernes, que era um general do exército assírio no tempo de Nabucodonosor, cercou a cidade de Bethulia, cortando-lhe o fornecimento de água. Judite, uma jovem viúva decidida a salvar a cidade, seduziu Holofernes e decapitou-o enquanto este se encontrava ébrio. A decoração dourada baseada em formas naturais é característica do estilo da Sezession (Secessão), a versão austríaca da Arte Nova, um movimento decorativo de linhas estilizadas e sinuosas que revolucionaram a arquitectura e o design ocidental, no final do século XIX. Pintor essencialmente decorativo, Klimt foi o principal artista deste movimento, que pretendia aumentar a produção das artes e ofícios na Austria, até ao nível dos restantes países da Europa. A sua aproximação ao Simbolismo e as suas tendências anti-realistas eram consideradas extremamente radicais para a época. Gustav Klimt nasceu em Viena em 1862 e morreu na mesma cidade em 1918.
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Gustav Klimt, Austrian
Born in Vienna, Austria, 14 July 1862
Died in Vienna, Austria, 06 February 1918

"Whoever wants to know something about me must observe my paintings carefully and try to see in them what I am."
Gustav Klimt

Gustav Klimt explored the themes of beauty, eroticism, life and death through his subjects, embellishing them with richly patterned surfaces. Although he is best known for his paintings, however he also produced thousands of drawings. Public commissions were the basis of his early success, but he later broke with traditional Viennese art society and formed the Vienna Secession, promoting the advancement and exposure of modern art in Austria. At 14 years of age in 1876, Klimt received a scholarship to the School of Applied Arts in Vienna where he studied drawing and decorative painting until 1883. His younger brother Ernst joined him there in 1877. The two brothers and fellow classmate Franz Matsch formed a partnership to work on public commissions in 1883, carrying out numerous decorative commissions, including paintings for the Burgtheater and Kunsthistorische Museum in Vienna. During the period when Klimt became interested in Symbolism and Art Nouveau, he and 15 others resigned from the Viennese Artist's Association and founded the Vienna Secession (1897). Klimt was elected president and the group secured its own exhibition space and published an illustrated magazine. He was commissioned to paint three allegorical panels representing Philosophy, Medicine and Jurisprudence for the ceiling of the Great Hall of the University of Vienna in 1894. Over the course of 10 years the project he met criticism and protest from the public, members of parliament and press for what were deemed to be erotic and ugly images. Meanwhile, he was awarded a gold medal for Philosophy when it was exhibited at the Universal Exposition in Paris. Klimt's Hope I (1903), in the National Gallery of Canada collection, depicts a pregnant woman, standing nude in profile. Behind her are despairing figures and a skull suggesting death. There are small decorative features throughout the work, including flowers in the woman's hair and specks of gold and linear designs in the background. The piece was intended for display at the retrospective of his work at the 18th Exhibition of the Secession in 1903. However, he withdrew it, due to impending controversy over its explicit representation. During the First World War Klimt was no longer taking public commissions, and worked on portraits for private patrons of the Vienna elite. He also continued to produce landscapes, which he had begun at the time of the founding of the Secession and his interest in modernism. Klimt worked until his death shortly after a stroke, in 1918.
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Burra, Edward - Surrealismo

Quarta-feira, Outubro 11, 2006


Balcony - circa 1928-29
Relief print on paper
152 x 102 mm
Tate Gallery, London



The Green Fig - 1930
Dimensions 57 X 79 CM
Watercolour
Private Collection



Keep your Head 1930
Collage and pencil on paper
unconfirmed: 597 x 543 mm
Tate Gallery, London



The Snack Bar - 1930
Oil on canvas
762 x 559 mm
Tate Gallery, London



The Jungle - 1931
Watercolour on paper
56 x 66,5 cm
City Art Galery, Nottingham Castle



Harlem - 1934
Brush and ink and gouache on paper
794 x 571 mm
Tate Gallery, London



Dancing Skeletons - 1934
Gouache and ink wash on paper
787 x 559 mm
Tate Gallery, London



The Tea Party - c. 1938
Watercolour on paper
Private Collection



Ropes and lorries - 1942/1943
Pencil and watercolor
43.3 x 30.2 in. / 109.9 x 76.8 cm
Private Colletion



Izzy Orts - 1955
Watercolour and pencil on paper
73.60 x 104.50 cm
National Galleries of Scotland, Edinburgh



The white peacock - 1960
Watercolour, gouache over pencil
92.0 x 149.0
Art Gallery of New South Wales, Sydney, Australia



Pears - c. 1967
Pencil and monochrome watercolour
Private Collection



D. Quijote
Watercolour on paper

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Fascinado pelo exótico e proibido, Burra, na sua obra "The Jungle - 1931", cria uma cena de um mundo tropical imaginário. A exuberância sensual da mulher, da flora e da fauna é combinada com premonições de morte - a caveira na janela e os raios de uma tempestade. No canto inferior direito, uma série de objectos comuns, como a faca e a chaleira, assumiram características humanas. Tendo sido um dos primeiros artistas britânicos influenciados pelo Surrealismo - um movimento centrado no mundo dos sonhos do inconsciente - Burra criou um universo perturbador, habitado por mulheres extravagantemente vestidas, trabalhadores, marinheiros e soldados, quase sempre em locais imaginários. Devido a problemas de saúde que o acompanhavam s«desde criança e o debilitavam fisicamente, utilizava predominantemente a aguarela, que era mais fácil de trabalhar do que o óleo. Burra celebrou o dinamismo da vida ao longo de uma longa carreira, produzindo uma colecção de obras peculiarmente inglesa, que é dificilmente categorizável. Contudo, dadas as características da maioria das suas obras, poderemos encaixar Burra como um pintor surrealista. Edward Burra nasceu em Londres em 1905 e morreu em Playden, UK, em 1976.
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Callahan, Harry - Fotografia

Sábado, Outubro 07, 2006


Detroit
1943



Eleanor
New York
1945



Eleanor
Chicago
1947



Chicago
Windows
c. 1948



Eleanor
Chicago
1948



Eleanor
Chicago
1949



Lake Michigan
1950



Trees
Chicago
1950



Bob Fine
1952



Eleanor and Barbara
Chicago
1953



Eleanor
Chicago
1953



Providence
1968



Providence
c. 1969



New York
1971



Cape Cod
1978



Cape Cod
1979



Providence
1977



Kansas City
1981



Morocco
1981

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Harry Callahan estudou inicialmente engenharia na Michigan State University e de 1934 a 1944 trabalhou nas Chrysler Motors. Em 1938, Callahan começou a interessar-se por fotografia depois de ver uma exposição de Ansel Adams. Começou então a tirar fotografias com uma máquina de grande formato. A partir de 1946 deu aulas no Chicago Institute of Design e em 1949 assumiu o lugar de director do Departamento de Fotografia desse instituto. Fez amizade com alguns dos maiores mestres da fotografia norte-americana. Na sua obra fotográfica, callahan mostrou uma predilecção por fotografias de pormenor, a que frequentemente conferiu um efeito abstracto através de um corte firme. Gostava de fazer experiências com exposições duplas, tendo também usado exposições demasiado longas para criar um efeito gráfico nas suas fotografias.
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Cézanne, Paul - Pós-Impressionismo

Segunda-feira, Outubro 02, 2006
Retratos / Portraits



Portrait of the Artist's Father - c. 1866
Oil on canvas
198.5 x 119.3 cm (78 1/8 x 47 in)
National Gallery of Art, Washington, D.C.



Self-Portrait with Rose Background - c. 1875
Oil on canvas
66 x 55 cm (26 x 21 5/8")
Private collection



Hortense Fiquet in a Striped Skirt - 1877-78
Oil on canvas
72.5 x 56 cm (28 1/2 x 22")
Museum of Fine Arts, Boston



Le paysan (Peasant), c. 1891
Oil on canvas
56 x 46 cm (22 x 18 1/8")
Private collection



Woman in a Green Hat (Madame Cézanne) - 1894-95
Oil on canvas
100.2 x 81.2 cm (39 1/2 x 32 in)
The Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania



Seated Peasant, 1895-1900
Oil on canvas
21 1/2 x 17 3/4 in
Philadelphia Museum of Art



Young Italian Girl Resting on Her Elbow - c. 1900
Oil on canvas
92 x 73 cm (36 1/4 x 28 3/4 in)
Collection Dr. and Mrs. William Rosenthal, New York



Woman Seated in Blue, 1900-02
Oil on canvas
88.5 x 72 cm (34 3/4 x 28 3/8")
Hermitage Museum, St. Petersburg



Portrait of Vallier - 1906
Oil on canvas
65 x 54 cm (25 5/8 x 21 1/4 in)
Private collection

Banhistas / Bathers



Bathers at Rest - 1875-76
Oil on canvas
82 x 102.2 cm (32 1/4 x 39 7/8 in)
The Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania



The Bather - 1885-1887
Oil on canvas
50 x 38 1/8 in
Museum of Modern Art, New York



Bathers - c. 1890-91
Oil on canvas
54.2 x 66.5 cm (21 3/8 x 26 1/8 in)
The Hermitage, St. Petersburg



Nudes in Landscape - 1900-05
Oil on canvas
132.4 x 219.1 cm (52 1/8 x 86 1/4 in)
The Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania



Large Bathers - 1899-1906
Oil on canvas
208 x 249 cm (81 7/8 x 98 in)
Philadelphia Museum of Art

Naturezas Mortas / Still Lifes



Still Life with Compotier - 1879-1882
Oil on canvas
18 1/8 x 21 5/8"
Collection Mr. and Mrs. Rene Lecomte, Paris



Still Life with Peppermint Bottle, 1890-94
Oil on canvas
25 5/8 x 31 7/8 in
National Gallery of Art, Washington, D.C.



Still Life with Basket of Apples - 1890-94
Oil on canvas
24 3/8 x 31 in
The Art Institute of Chicago



Still Life With a Basket (Kitchen Table), c. 1890-95
Oil on canvas
Musée d'Orsay, Paris



Still Life with Water Jug, c. 1892-3
Oil on canvas
53 x 71.1 cm
Tate Gallery, London



Still Life with Plaster Cupid - 1895
Oil on canvas
27 1/2 x 22 1/2 in
Courtauld Institute of Art, London



Still Life with Onions and Bottle, 1895-1900
Oil on canvas
26 x 31 7/8 in
The Louvre, Paris



Apples and Oranges - c. 1899
Oil on canvas
74 x 93 cm (29 1/8 x 36 5/8 in)
Musee du Louvre, Galerie du Jeu de Paume, Paris



Still Life with Skull - 1895-1900
Oil on canvas
54.3 x 65 cm (21 3/8 x 25 5/8 in)
The Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania



Pyramid of Skulls, c. 1901
Oil on canvas
37 x 45.5 cm (14 5/8 x 17 7/8")
Private collection

Paisagens / Landscapes



Houses Along a Road - c. 1881
Oil on canvas
60 x 73.5 cm (23 5/8 x 28 7/8 in)
The Hermitage, St. Petersburg



Route tournante à La Roche-Guyon (A Turn in the Road at La Roche-Guyon), 1885
Oil on canvas
64.2 x 80 cm (25 3/8 x 31 1/2")
Smith College Museum of Art, Northampton, MA



The Bay from L'Estaque - c. 1886
Oil on canvas
31 1/2 x 38 1/2 in
The Art Institute of Chicago



Mountains in Provence - 1886-90
Oil on canvas
63.5 x 79.4 cm (25 x 31 3/8")
National Gallery, London



The Great Pine - 1892-96
Oil on canvas
33 1/2 x 36 1/4 in
Museu de Arte, São Paulo, Brasil



Bibemus Quarry, c. 1895
Oil on canvas
65.1 x 81 cm (25 5/8 x 31 7/8 in)
Museum Folkwang, Essen



Foliage, 1895-1900
Watercolor and pencil on paper
44.8 x 56.8 cm (17 5/8 x 22 3/8 in)
The Museum of Modern Art, New York



Lake Annecy - 1896
Oil on Canvas
64.2 x 79.1 cm (25 1/4 x 31 1/8 in)
Courtauld Institute Galleries, London



Bibemus: le rocher rouge, c. 1897
Oil on canvas
91 x 66 cm (35 7/8 x 26 in)
Musée du Louvre, Paris



Houses on the Hill (River Bank), 1900-06
Oil on canvas
60.3 x 79.2 cm (23 3/4 x 31 3/8 in)
McNay Art Institute, San Antonio, TX



Bend in Forest Road, 1902-06
Oil on canvas
81.3 x 64.8 cm (32 x 25 1/2 in)
Private collection



Riverbanks - 1904-05
Oil on canvas
65 x 81 cm (25 1/4 x 31 7/8 in)
Private collection, Switzerland



Mont Sainte-Victoire Seen from Les Lauves - 1904-06
Oil on canvas
66 x 81.5 cm (26 x 32 1/8 in)
Private collection, Switzerland

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Na tela "nus na paisagem" de 1900, um grupo de mulheres nuas relaxa no meio de um bosque, à beira de um lago. A sua pele capta a luz, reflectindo o azul da água e do céu. Os seus corpos estão estranhamente truncados e distorcidos. Em vez de usar modelos, Cézanne pintava de memória. Talvez estivesse menos interessado na reprodução fiel da cena do que no tema clássico dos banhistas em harmonia com a paisagem - um fascínio que prevaleceu durante 30 anos. cézanne era filho de um banqueiro de Aix-en-Provence e era. unamimemente considerado, um homem tímido e difícil. Embora tenha tido um sucesso tardio, a obra de Cézanne acabou por se tornar extremamente influente, recebendo muitos artistas que o visitavam em peregrinação. Largamente reconhecido como o "pai" da arte moderna devido a sua simplificação da forma, Cézanne abriu caminho para o Cubismo e a abstracção. Paul Cézanne nasceu en 19 de Janeiro de 1839 em Aix-en-Provence (FR) e morreu na mesma cidade em 22 de Outubro de 1906.
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The French painter Paul Cézanne, who exhibited little in his lifetime and pursued his interests increasingly in artistic isolation, is regarded today as one of the great forerunners of modern painting, both for the way that he evolved of putting down on canvas exactly what his eye saw in nature and for the qualities of pictorial form that he achieved through a unique treatment of space, mass, and color. Cézanne was a contemporary of the impressionists, but he went beyond their interests in the individual brushstroke and the fall of light onto objects, to create, in his words, ``something more solid and durable, like the art of the museums. Cézanne was born at Aix-en-Provence in the south of France on Jan. 19, 1839. He went to school in Aix, forming a close friendship with the novelist Emile Zola. He also studied law there from 1859 to 1861, but at the same time he continued attending drawing classes. Against the implacable resistance of his father, he made up his mind that he wanted to paint and in 1861 joined Zola in Paris. His father's reluctant consent at that time brought him financial support and, later, a large inheritance on which he could live without difficulty. In Paris he met Camille Pissarro and came to know others of the impressionist group, with whom he would exhibit in 1874 and 1877. Cézanne, however, remained an outsider to their circle; from 1864 to 1869 he submitted his work to the official SALON and saw it consistently rejected. His paintings of 1865-70 form what is usually called his early ``romantic'' period. Extremely personal in character, it deals with bizarre subjects of violence and fantasy in harsh, somber colors and extremely heavy paintwork. Thereafter, as Cézanne rejected that kind of approach and worked his way out of the obsessions underlying it, his art is conveniently divided into three phases. In the early 1870s, through a mutually helpful association with Pissarro, with whom he painted outside Paris at Auvers, he assimilated the principles of color and lighting of Impressionism and loosened up his brushwork; yet he retained his own sense of mass and the interaction of planes, as in House of the Hanged Man (1873; Musee d'Orsay, Paris). In the late 1870s Cézanne entered the phase known as ``constructive,'' characterized by the grouping of parallel, hatched brushstrokes in formations that build up a sense of mass in themselves. He continued in this style until the early 1890s, when, in his series of paintings titled Card Players (1890-92), the upward curvature of the players' backs creates a sense of architectural solidity and thrust, and the intervals between figures and objects have the appearance of live cells of space and atmosphere. Finally, living as a solitary in Aix rather than alternating between the south and Paris, Cézanne moved into his late phase. Now he concentrated on a few basic subjects: still lifes of studio objects built around such recurring elements as apples, statuary, and tablecloths; studies of bathers, based upon the male model and drawing upon a combination of memory, earlier studies, and sources in the art of the past; and successive views of the Mont Sainte-Victoire, a nearby landmark, painted from his studio looking across the intervening valley. The landscapes of the final years, much affected by Cézanne's contemporaneous practice in watercolor, have a more transparent and unfinished look, while the last figure paintings are at once more somber and spiritual in mood. By the time of his death on Oct. 22, 1906, Cézanne's art had begun to be shown and seen across Europe, and it became a fundamental influence on the Fauves, the cubists, and virtually all advanced art of the early 20th century.
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