O SÉCULO PRODIGIOSO

A arte no século XX

Grosz, George - Dadaismo/Expressionismo

Quinta-feira, Fevereiro 23, 2006


Suicide - 1916
Oil on canvas
100 x 77.6 cm
Tate Gallery, London



Lovesick - 1916
Oil on canvas
99.7 x 76.5 cm
Private collection.



The City - 1916/17
Oil on canvas
100 x 102 cm
Thyssen-Bornemisza Collection, Madrid



To Oskar Panizza - 1917/18
Oil on canvas
140 x 110 cm
Staatsgalerie Stuttgart, Stuttgart, Germany



Germany: a Winter's Tale - 1917/19
Oil on canvas
Whereabouts unknown



The White Slaver. 1918
Watercolor, reed pen and Indian ink on card
31.7 x 23.8 cm
Hessisches Landesmuseum, Darmstadt, Germany



Beauty, Thee Will I Praise - 1919
Watercolor, pen and Indian ink
42 x 30.3 cm
Galerie Nierendorf, Berlin, Germany



Untitled - 1920
Oil on canvas
81 x 61 cm
Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Germany



Republica Automatons - 1920
Watercolor on paper
60 x 47.3 cm
The Museum of Modern Arts, New York



Daum Marries Her Pedantic Automaton George in May 1920, John Heartfield is Very Glad of It - 1920
Watercolor and collage
42 x 30.2 cm
Galerie Nierendorf, Berlin, Germany



Grey Day - 1921
Oil on canvas
115 x 80 cm
Staatsliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie, Berlin, Germany



Methusalem - 1922
Watercolor, Indian ink and bronze paint on paper
52.6 x 41.1 cm
The Museum of Modern Arts, New York

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Na tela " To Oskar Panizza", uma multidão caótica de corpos com rostos torturados acotovela-se nas ruas da cidade à noite. Um sinistro esquema expressionista de cor, com vermelhos e verdes escuros, e o espaço distorcido, inspirado no movimento futurista, conjugam-se para transmitir uma atmosfera de decadência pecaminosa e de fatalismo. Oskar Panizza foi um psiquiatra e escritor acusado de blasfémia cerca de 1890. Ele e Grosz partilhavam uma visão pessimista da vida urbana: os personagens no canto inferior esquerdo representam o Alcoolismo, a Sífilis e a Peste. A Morte - o esqueleto no centro da composição - é o único vencedor; até o padre, representante da Igreja, levanta o braço em rendição. Grosz é mais conhecido pelos seus desenhos brutalmente satíricos. Antes e durante a Segunda Guerra Mundial direccionou a sua ironia feroz contra a corrupção do governo alemão. Também ele foi frequentemente processado por blasfémia e atentado à moral pública, acabando em tribunal, sob risco de pena de morte. Posteriormente partiu para a América, passandop a aplicar o seu génio satírico contra o materialismo bruguês. George Grosz nasceu em Berlim, no ano de 1893 e morreu na mesma cidade em 1959.
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Rodchenko, Alexander - Fotografia

Segunda-feira, Fevereiro 20, 2006


Rodchenko and Stepanova, 1922



Pro eto. Ei i mne by Vladimir Mayakovsky. 1923
Book with nine letterpress photomontages



Portrait of mother - 1924



Lily Brik - 1924



The poet Vladimir Mayakovsky - 1924



The Critic Osip Brik - 1924



Stepanova with a cigarette - 1924



Vladimir Mayakovsky, 1924



Balconies - 1925



Balconies. 1925



House on Myasnicka Street, 1925



Fire-escape, from the series “House on Myasnitskaya” - 1925



Back cover of the book Conversation with the Finance Inspector
about Poetry (Razgovor c fininspektorom o poesii), by Vladimir
Mayakovsky, 1926



Change of All - 1927



A Part of Moscow, 1927



On the telephone - 1928



Pioneer, 1928



Gathering for the demonstration in the courtyard of the VChUTEMAS
(Higher Institute of Technics and Art) - 1928



To the demonstration - 1928



Pioneer - 1930



Stairway, 1930



Untitled photograph from a series on a lumber mill in Vakhtan. 1930



Lefortovo-Student Village, 1930



Chauffeur - 1933



Belomorkanal Work in the rhythm of orchestra, 1933



Working with an orchestra - 1933



Untitled photograph of a guard and prisoners during the building of the
White Sea-Baltic Sea Canal, 1933



Girl with a Leica - 1934



An Oath. 1935



The live badge - 1936



Varvara Stepanova, 1936

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Alexander Rodchenko é um dos máximos expoentes da vanguarda soviética dos anos 30. Nasceu em São Petersburgo, em 1891. A sua familia mudou-se para Kazán, no Oeste de Rússia, onde Alexander estudou Historia da Arte. Posteriormente foi para Moscovo, onde continuou o seu estudo de arte. É, nesta altura, em 1915, influenciado por Malevich, que começou a pintar, com uma tendência abstracta. Alexander Rodchenko é um dos artistas russos mais versáteis dos anos 20 e 30. Como outros muitos artistas dessa época de fervor artístico, experimentou com diferentes técnicas de expressão artística, estudando a pintura, a fotomontagem e a fotografia em profundidade, com o fim de obter imagens sempre inovadoras. Rodchenko representa uma figura muito importante no panorama das vanguardas artísticas e suas imagens tem contribuído para a difusão de Construtivismo Soviético. Faleceu em 1956
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Born November 23, 1891, in St. Petersburg, Rodchenko died on December 3, 1956. He attended the School of Arts in Kazan, Russia, from 1910 to 1914, then studied graphic arts at the School of Applied Arts in Moscow (1915). The artist was influenced by the Futurists, Cubism and Art Nouveau, and his mentor was Vladimir Tatlin. Rodchenko's first job was as an assistant to Tatlin at a 1916 Futurist exhibit in Moscow, at which ten of Rodchenko's pictures were shown. In 1918 Rodchenko helped found the Museum of Artistic Culture and became its first director. By 1920 he was one of the most active members of the Institut Khudozhestvennoy Kultury - also known is Inkhuk - and he taught a Vkhutemas (High-Grade Art - Technical Workshops). Beginning in 1918 he was active for several years with the Committee of Applied Arts, a government agency. In 1921-22 he did illustrative work in theater, films, typography and advertising, and continued throughout the 1920s to provide cover designs for a remarkably wide range of publications - from the poet Mayakovsky's books (1925-29) to scientific and technical literature for Moscow publishers. He also designed the cover of Kino-Fot, a periodical of the Russian Constructivists which began in 1922 and in which Rodchenko was regularly published. He took up photography in 1924 and gave a short series of talks on the medium at Vkutein (Fine Arts Technical School) in the early 1920's. From 1920 to 1930 he taught at the newly organized Free Public Art Studio (formerly his alma mater, Stroganov School of Applied Arts), where he also served as dean of the faculty of metal-work. Rodchenko began photo-reporting in 1926, working for the magazines Ogonok, Radioslushatel, Prozhektor, Krasnoye Studenchestvo, Dayosh, Za rubezhom, Smena, Borba klassov and the daily Vechernaya Moskva, among others. In 1932 the photographer, whose work was - and still is - widely exhibited, began working in photomontage. During his first and only trip abroad Rodchenko was awarded four silver medals at the Paris Exhibition of March 1925. Also involved in the film world, Rodchenko shot a newsreel series directed by Dziga Vertov, originally called Kino-Pravda and later called One-sixth of the World, which was begun in 1922. Between 1927 and 1930 he was "constructor-artist" of the films The Woman Journalist, Moscow in October, Albidum, The Puppet Millionaire and What Shall I be?. He also directed the documentary The Chemicalization of the Forest. Seemingly unlimited in his versatility, Rodchenko was also involved in theater, designing the costumes and props for Glebov's Pendulum and The Bed Bug in 1929, and was one of Russia's foremost painters, collagists and poster artists. A Constructivist, Rodchenko was one of the earliest photo-collagists. Some of his favorite themes were sports, the circus, festive processions and the Soviet way of life. He successfully experimented with close-up photography, and "the lens of his camera discovered objects of unusual architecture, rhythm, and plasticity" in objects removed from their usual surroundings. "The viewer who sees only a study in the picture of the glass jug illuminated from behind fails to appreciate the masterly composition, the noble purity of the lines, the rich plasticity of the form and consequently also the poetry and beauty of the picture, and still more important, its specifically photographic qualities"
(Karginov, Rodchenko).
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Sutherland, Graham - Expressionismo Abstracto

Sexta-feira, Fevereiro 17, 2006


Welsh mountains - 1937-1938
Oil on canvas
56.0 x 91.6cm
Art Gallery of New South Wales, Sydney, Australia



Red Monolith - 1938
Oil on canvas
40 x 25 in.
Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C.



Western Hills - 1938
Oil on canvas
55.50 x 90.50 cm
National Galleries of Scotland, Edinburgh



Entrance to a Lane - 1939
Oil on canvas
614 x 507 mm
Tate Gallery, London



Green Tree Form: Interior of Woods - 1940
Oil on canvas
787 x 1079 mm
Tate Gallery, London



Devastation: East End Factory Ventilation Shaft - 1941
Watercolour / Gouache
Bolton Art Gallery, UK



Press for Making Shells - 1941
Oil on hardboard
77.2x45.9 cm
Manchester City Art Gallery, UK



Mouth of hot metal container pouring molten iron - 1942
Watercolour, bodycolour, scraping out, gum arabic
52.4x39.2 cm
Manchester City Art Gallery, UK



Landscape in Wales II - 1945
Ink, gouache, wash and pencil
2 x 4½ ins
Private Collection



The Deposition - 1946
Oil on millboard
Fitzwilliam Museum PHAROS Website, Cambridge, UK



Study for Painting 5 - Tree form - 1946
Watercolour / Gouache
18.2 x 17.5cm
Art Gallery of New South Wales, Sydney, Australia



Head - 1951
oil on canvas
61 x 51 cm
National Gallery of Canada, Ottawa



Fountain - 1963
Oil on canvas
30.2 x 25.5 cm
National Museums and Galleries of Wales



Trees with G-shaped Form I - 1972
Oil on canvas
117.0 x 172.0 cm
National Museums and Galleries of Wales

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Na tela "Entrada de uma Alameda" (Entrance to a Lane), de 1939, a entrada emerge de um denso padrão de cor. As folhas pendentes e os ramos na parte superiorda tela sugerem uma paisagem verdadeira, enquanto que as formas amorfas e as cores discordantes introduzem o elemento da abstracção. Sutherland usou muitas vezes a paisagem como o meio de expressão espiritual, produzindo uma visão particular da zona rural inglesa que ocasionalmente pendia para o gótico. O autor afirmou que "estava fascinado pelo problema geral das tensões produzidas pelo poder do crescimento". As suas paisagens despovoadas e melancólicas, pintadas em vermelhos vivos, verdes escuros e amarelos vibrantes e as suas imagens de devastação feitas como artista de guerra, têm a intensidade de obras religiosas. Tal como Nash, também ele um artista de guerra, Sutherland usou a abstracção para os seus próprios objectivos expressivos. Ironicamente, apesar do desinbteresse da sua obra pelo dia a dia, Sutherland pintou muitos retratos de sociedade assim como comissões públicas que incluíram uma tapeçaria para a Catedral de Coventry.
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Graham Sutherland nasceu em Londres no dia 24 de Agosto de 1903 e morreu, na mesma cidade, no dia 17 de Fevereiro de 1980.
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Polke, Sigmar - Pop Art

Segunda-feira, Fevereiro 13, 2006


Two Palm Trees - 1964
Artificial resin on fabric
90 x 75 cm
Private collection



Woman at the Mirror - 1966
Acrylic on fabric
125 x 80 cm
Private collection, London



Heron Painting II - 1968
Dispersion on flannel
190 x 150 cm
Private collection



Ich mach das schon Jess
(I'll Take Care of That, Jess) - 1972
Oil on felt
124 x 112 3/16 in. (315 x 285 cm)
Sammlung Essl, Klosterneuburg



Tischruecken (Seance) - 1981
Dispersion on printed fabric
70 7/8 x 86 5/8 in. (180 x 220 cm)
Collection Dr. Rainer Speck, Cologne



Hannibal with his Armoured Elephants - 1982
Lacquer on canvas
260 x 200 cm
Collection Froehlich, Stuttgart



Magnetic Landscape - 1982
Acrylic and ferrous mica on canvas
290 x 290 cm
Raschdorf Collection, Duesseldorf



This is how you sit correctly (after Goya) - 1982
Acrylic on fabric
200 x 190 cm
Private collection, Baden-Baden



Lingua Tertii Imperii - 1983
Mixed media and lacquer on canvas
102 3/8 x 78 3/4 in. (260 x 200 cm)
Froehlich Collection, Stuttgart



Audacia - 1986
Oil and lacquer on canvas
78 3/4 x 74 3/4 in. (200 x 190 cm)
Collection Raymond J. Learsy



Untitled - 1988
Drawing with spraypaint, tusche, and ink
Sheet: 124.5 x 94.6 cm (49 x 37 1/4 in.)
Museum of Fine Arts, Boston



Jeux d'enfants - 1988
Painting (Scène extérieure)
3,00 m x 2,25 m
Pompidou Center



Measuring Clothes - 1994
Fabric and paint on canvas
230 x 300 cm
Private collection



The Classroom (Klassenzimmer) - 1995
Four color offset photolithograph
Sheet: 55 x 75 cm (21 5/8 x 29 1/2 in.)
Becker and van der Osten 109
Museum of Fine Arts, Boston

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A estreia artística de Polke ocorreu em 1963, na loja de móveis Berges, em Düsseldorf. Junto com Gerhard Richter, Konrad Fischer-Lueg e Manfred Kuttner, ele protestou em favor do Realismo Capitalista, lançando o lema "Vida com Pop". Na época, tinha vinte e poucos anos, vivia há uma década na Alemanha Ocidental e estava matriculado na Academia de Artes de Düsseldorf. A "exposição-protesto" era mais do que uma polémica sobre a pop art deste lado do Atlântico e para além da Cortina de Ferro. Seu ponto de partida era uma linguagem pictórica referente ao cotidiano, como a da pop art made in USA. Mas nessa acção de Düsseldorf, o alvo da crítica era tanto o realismo socialista da Alemanha Oriental como a pintura dogmática do pós-guerra no oeste da Alemanha. A crítica dos três artistas dirigia-se contra os mecanismos da ideologia do consumo da pequena burguesia alemã. Em conseqüência disso, surgem quadros com malhas e estruturas decorativas, nos quais Polke transfere para a pintura padrões visuais extraídos da imprensa, livros de banca de jornal, anúncios e cartazes de cinema. Os padrões de bolachas de chocolate, posters de mulheres nuas, barras de chocolate e meias masculinas são aplicados à tela, gerando idílios burgueses sobre uma tapeçaria de florezinhas que Polke elegeu como motivo pictórico, tornando-se internacionalmente famoso por isso.

Apesar de a predileção por pontos também se dever à sua miopia de nascença, conforme diz o artista, avesso à sede de interpretação da crítica, Polke não utiliza o sistema de pontos como meio estilístico superficial, como o fez Roy Lichtenstein, mas explora-o na sua profundidade filosófica. Difícil de enquadrar, Sigmar Polke não se deixa enquadrar em padrão nenhum. Gosta de se comportar sem o menor estilo, recusa-se a se fixar em algo específico. A imprevisibilidade o atrai. Foi assim que passou da pintura de malhas para a arte conceitual. Começou a jogar com referências pós-modernas, citações e simbologia mitológica, serviu-se da pop art, do construtivismo, da pintura de campos de cor, da linguagem formal e de cores do minimalismo, do fluxus e da arte povera.

Dedicou-se a experiências com cores e diferentes materiais sobre telas de grande formato, tanto no atelier como na câmara escura. Polke começou a "fotografar" de acordo com critérios da pintura e aplicar sobre a tela ligas de prata sensíveis à luz. E continuou pintando, desenhando, escrevendo, fazendo colagens e montagens, inclusive sobre vidro ou folha de plástico. Queria que seus quadros se tornassem vivos, transformando-se em organismos que reagem ou continuam desenvolvendo-se. Polke experimentou o que acontece quando se mistura verniz, diluente, nitrato de prata, bário, metanol ou álcool nos quadros. O artista confessa ter usado em suas telas pigmentos até perigosos, como o verde Schweinfurt, que contém arsénio. E prosseguiu com as suas experiências, chegando a aproveitar o avesso da tela e a usar drogas alucinógenas. Em 1986, Polke surpreendeu o público da Bienal de Veneza com uma "mistura especial" de tinta de parede para o Pavilhão Alemão, sensível a luz, humidade e temperatura do corpo. Se havia muita gente dentro, a cor ficava azul; se passava alguma nuvem, ficava rosa. Perplexo com essa pintura "higroscópica" (feita com substâncias que reagem à umidade do ar) e com sua instalação Athanor (Caldeirão dos Alquimistas), o júri homenageou-o com o Leão de Ouro para pintura.

Sigmar Polke nasceu no dia 13 de Fevereiro de 1941
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Extracto do artigo de Alice Koegel
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Morimura, Yasumasa - Fotografia

Quinta-feira, Fevereiro 09, 2006


Portrait (Van Gogh), 1985
Colour photograph
120 x 100 cm
Ikkan Sanada collection, NY



Portrait (La Source I, II, III), 1986-89



Portrait, 1988-1990
Cibachrome
266 x 366 cm



Portrait (Nine Faces), 1989
colour photograph
266 x 338 cm



Daughter of Art History (Theatre B), 1989
Colour photograph, c-print,
180 x 246m
Bernardo Nadal-Ginard and Laura Steinberg Collection



Daughter of Art History (Theatre A), 1990
Colour photograph, c-print,
180 x 246 cm
Bernardo Nadal-Ginard and Laura Steinberg collection



Daughter of Art History, Princess A, 1990
colour photograph
210 x 160 cm
Luhring Augustine Gallery, NY



Criticism and the Lover A, 1990
Colour photograph, c-print
180 x 225 cm
A. G. Rosen collection, New Jersey



Six Brides, 1991
Colour photograph on canvas
140 x 120 cm
Richard Talmadge collection, NY



Angels Descending the Staircase, 1991
Colour photograph
240 x 226 cm (2/3)
PaineWebber Group Inc collection, NY



Brothers (Slaughter I), 1991
Colour photograph on canvas
240 x 309 cm



Mother (Judith II), 1991
Colour photograph on canvas
240 x 160 cm
Peter Norton Foundation



The Death of the father, 1991
Colour photograph, c-print
240 x 320 cm



Pears with Noses, 1992
Colour photograph
35 x 37 cm



Doublonnage (Marcel), 1995
Colour photograph
150 x 120 cm
Museo Nacional Reina Sofía, Madrid



Mona Lisa in Pregnancy, 1998
Digital impression on canvas
290 x 200 cm
(music: Tada Masami)



Mona Lisa in the Third Place, 1998
Laser impression on canvas
290 x 200 cm
(music: Tada Masami)

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Na fotografia "Mother-Judith II", de 1991, uma mulher de cabelo comprido ruivo e com um chapéu vermelho-vivo segura uma espada crevejada de jóias. ,Usando um vestido do século XVI e decorada de forma absurda com folhas de couve, fios de salsichas, couves-de-bruxelas e um brinco em forma de caneca de cerveja, esgue-se triunfante sobre o homem que acabou de matar. Este é representado por uma cabeça em forma de batata, rodeada por fatias de bife e carne fumada. Eta fotografia de grandes dimensões representa a história biblica de Judite que decapitou o general assírio Holofernes para salvar a sua cidade. A imagem baseia-se num quadro do artista renascentista alemão Lucas Granach e é aqui apresentada num estilo semelhante ao do pintor do século mXV, Giuseppe Archimboldo, cuja figuras eram feitas de frutos e legumes. Morimura transformou o retrato original numa natureza surreal, onde o autor faz de Judite. Reunindo uma mistura complexa de elementos históricos, Morimura redefine a sua identidade como artista japonês influenciado pela principal corrente de arte europeia, mas trabalhando fora dela.
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Na série de fotografias que apresentamos, Yasumasa Morimura trabalha uam série de auto-retratos recosntruindo obras-primas da história da arte, como Da Vinci, Manet, Rembrant, Velasquez, Van Gogh, entre outros. O seu trabalho cria uma ambiguidade entre a pintura e a fotografia, perfomance e arte, passado e presente, original e cópia, masculino e feminino. Surpreende e confunde o observador, pondo a questão da noção da ficção e a realidade, estebelecendo um limite muito ténue entre eles. É um grande mestre na fotografia modermna.
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Yasumasa Morimura nasceu em Osaka, em 1951.
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Hartung, Hans - Arte Abstracta

Domingo, Fevereiro 05, 2006


Composition, 1936
Conte-crayon and ink wash on paper
37 13/16 x 30 1/8 in. (96.1 x 76.5 cm.)
Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C.



T1937-33 1937
Oil, charcoal and pastel on canvas
970 x 1300 mm
Tate Gallery, London



Composition T-1954-20 1954
Oil on canvas
145.9 (h) x 97.5 (w) cm
National Gallery of Australia



Composition T55 - 17 - 1955
Oli on canvas
162 x 114 cm
Museum of Modern Art Linz



Composition L10 - 1957
Lithograph on paper
520 x 320 mm
Tate Gallery, London



Composition in black and yellow - 1958
Wax crayon on paper
50.1 x 65 cm
Courtauld Institute of Art, London, UK



Composition T1961-H27 - 1961
39.2"x 23.9"
Private Collectiom



Composition T 1963-R 40 - 1963
Huile sur toile
180 x 142
Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Brusels



Composition T 1963-R6 1963
Acrylic on canvas
1797 x 1410 mm
Tate Gallery, London



T1974-E44 - 1974
Oil on canvas
1800 x 1800 mm
Tate Gallery, London



Composition T 1974 E 14 - 1974
Acrílico s/tela
103,5 x 162,2 cm.
Col. Museo Tamayo Arte Contemporáneo



Composition T 1973, E-13 - 1973
Oil on Canvas
111 cm x 180 cm
Tehran Museum of Contemporary Art, Iran



Composition T1982-E15 - 1982
Oil on canvas
1850 x 3000 mm
Tate Gallery, London

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Na composição H27, de 19361, duas manchas de azul separadas por duas linhas pretas, contêm dois conjuntos de traços em preto ou azul, bem vincados. «Dois únicos traços, violentos, apaixonados, quebrados, ou belos, calmos, regulares, uniformes, transmitem o que sentimos. Corresponde àquilo por que estamos a passar.» A violência e agressividade das marcas sobre a tela podem reflectir os estado de ansiedade do próprio autor. Tal como Wols, Fautrier ou Riopelle, Hartung participou na craição dos novos métodos que iriam caracterizar a Arte Informal - obras sem forma, inspiradas na caligrafia, a que ele chamos «improvisações psiquicas». Apesar de aparentemente dinâmicas e expontâneas, essas obras eram , na realidade, muito ponderadas. Hartung nasceu na Alemanha em 1904 e estudou Filosofia e História da Arte na Universidade. Abandonou o país antes da II Guerra Mundial e instalou-se em Paris, onde se tornou um dos pintores abstractos mais notáveis da França. Morreu em Paris, em 1992.
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Maass, Holger - Fotografia Digital

Sexta-feira, Fevereiro 03, 2006


Absolut Sweden



All about Eve



Ariel



Der verlorene Sohn



Gina



In nomine patre



Marion im Zauberwald



No war in heaven



Penis pasta



Wassernixe



Ice love



Cindy´s World II

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- Holger Maass (36) was born in Karlsruhe, Germany. After studying electrical engineering at the Technische University in Munich Germany, he started as a photographer, working in the area of advertising and reportage photography. Stories from China, Russia and Korea are published with magazines and newspapers. Advertising campaigns for Graffiti GmbH, Munich.
- 1995 Holger Maass started setting up his Studio in Munich, Germany, concentrating on art and celebrity photography. His work was published with Playboy magazine as well as GQ. Assistance with Hubertus Ham Photography. After successfully finishing his studies Holger Maass lived and worked in New York as a photographer for Nonstock Inc. Cover and book publishing for Nerve Magazine, New York.
- 1997 Holger Maass started with his new style mixing new digital manipulation techniques and traditional photography resulting in a new artificial style. First exhibitions with Wolfgang Maurer Gallery Munich and Wolfgang Exner Gallery, Vienna.
- Additional photographs and advertising campaigns for Birkenstock with Til Schweiger. Portrait photography with Barbara Schöneberger, Sonya Kraus, Yvonne Catterfeld, No Angels, Hila Bronstein. Exhibitions in St. Petersburg and Novosibirsk, Russia, London, UK and New York (Spectra Digital Arts Gallery, Roger Smith Gallery, Viscaya Lounge)
- Television production with Thomas Gottschalk for ZDF and Tresor TV GmbH. Feature about Studio Maass with Deutsche Welle Television. 1st prize at Epson Photo Contest 2004; Canon ProFashional Award 2004 and 2005 and NoLimits Calendar Award 2004. 2005 Holger Maass won 2nd prize at Nikon International Photo Contest 2004 - 2005. ....................................................................................................................